Erstmals Aufsehen erregten Of Monsters And Men 2010, als sie beim jährlichen und bekannten Band-Wettbewerb Músiktilraunir teilnahmen und quasi über Nacht in Island zu Stars wurden. Das liegt wahrscheinlich nicht zuletzt an der Kombination von Gitarren, Akkordeons, Schlagzeugen und Keyboards, mit großen Klangflächen und Chören und der perfekten Harmonie der Sänger/Gitarristen Ragnar Þórhallsson und Nanna Bryndís Hilmarsdóttir. Hierzulande könnte die Single „Little Talks“ schon mal den Weg in die Ohren gefunden haben, aber spätestens seit der Veröffentlichung von „My Head Is An Animal“ werden Of Monsters And Men auch außerhalb Islands nicht mehr zu überhören sein.

Die Songs auf „My Head Is An Animal“ sind Lieder zum Träumen, handeln aber nicht nur – das wär ja doch etwas untypisch für Isländer – vom schönen, leichten Leben, sondern sind stets begleitet von einem Hauch Melancholie. „Little Talks“ ist so ein Song, der zwar zum Tanzen verführt und an sich nach Freude und Leben klingt – schaut man aber genauer hin offenbart sich die Einsamkeit und der dazugehörige Wahnsinn: „Some days I feel like I'm wrong when I am right / Your mind is playing tricks on you my dear / 'Cause though the truth may vary / This ship will carry our bodies safe to shore“. Und trotzdem: So ganz traurig möchte man deshalb aber auch nicht sein. Dafür ist die Musik einfach zu schön, zu sehr möchte man sich in den weichen Wellen der Musik und den Gedanken an Sommerabende verlieren.

Of Monsters And Men können raum- und zeitlose Geschichten erzählen, gewürzt mit der Mystik Islands. Und namensgebend handeln diese Erzählungen von Monstern und Männern. Es wird auf Walen geritten, gegen wilde Tiere gekämpft, Geister beschworen und man trifft auf sprechende Bäume, mal im Dunkel des Waldes, mal auf hoher See wird der Fantasie freien Lauf gelassen. Und die Geschichte ist noch nicht zu Ende, Monster und Männer gibt es ja zuhauf..

Mit „My Head Is An Animal“ bewegen sich Of Monsters And Men zwischen Folk und Indie und der Vergleich mit Arcade Fire (erstellt vom Rolling Stone) ist da wirklich naheliegend: Große Klangflächen, verschachtelte Arrangements, Stimmen, die zum Träumen einladen und die an Größeres denken lassen. Außerdem hat man sofort tanzende Kinder auf den grünen Wiesen Islands im Kopf.. „My Head Is An Animal“ - Musik fürs sommerliche Kopfkino.

"My Head Is An Animal" von Of Monsters And Men ist am 27. April 2012 bei Pepublic/Universal erschienen.

In der Tat enthüllt „Keep Calm“ auf jedem seiner 11 Songs eine Fülle an ausgereiften musikalischen Ideen. Schon der Opener „Oh, Santiago“ überrascht mit deftigem Einstieg: die einst bescheidene Kombo rund um Pötzelsberger ist kräftiger und reicher an Instrumenten geworden. Auch inhaltlich gibt „Oh Santiago“, das die Angstzustände Pötzelsbergers während des Erdbebens in der Hauptstadt Chiles 2010 aufarbeitet, einen Ausblick auf die konstrastreiche Fülle der Themen: Neben sommerlicher Entspanntheit („When We Happen to Collide“), Vorfreude auf daheim („Home“) und innigster Liebe („Seven Wonders“) stehen Trennungssschmerz („Odyssey“), Krankheit („The Best (That You Can Do Now)“) und Trauer („Long Live The Queen“).

Durch hörbare Liebe zum Detail gelingt es The More Or The Less den weitgefächerten Themen im Stürmischen wie im Introspektiven feine Melodien zu entlocken. Sparsam und mit vorsichtiger Sorgfalt kleiden The More Or The Less ihre Songs in passende Arrangements. Vorbilder wie Ron Sexsmith, Teitur, Ben Gibbard (Death Cab For Cutie) und Feist sind bisweilen erkennbar. Neben traditionellem Singer/Songwritertum ist auch Platz für breite flirrende Sounds.

Selbstbewusst bietet „Keep Calm“ ein Abbild des Lebens, spiegelt das Wechselspiel von Freude und Trauer, die Gegensätze von Lust und Leiden wider, und trägt in seinem Titel auch schon das Idealrezept zur Lebensbewältigung. Dieser unprätentiösen Unmittelbarkeit des Täglichen ist auch die optische Umsetzung verhaftet: Die Panoramaaufnahme des Tennengebirges auf dem Albumcover, die an Familienfotos erinnernden Konzertplakate und das beim Baden am See von Pötzelsberger selbst gedrehte Video zu „When We Happen To Collide“ sprechen dieselbe bescheidene Sprache, wie „Keep Calm“, ein Album an dem nicht nur das österreichische Popjahr 2012 schwer vorbeikommt.

Playlist (des Albums)

Oh, Santiago

When We Happen To Collide

I Won’t Let You Down

Show Me Where Your Heart Is

Home

Mr. Undertaker

Seven Wonders

Long Live The Queen

Odyssey

Poetry And Farmer Chords

The Best (That You Can Do Now)

BonusTracks der Sendung

When We Happen To Collide, Home (beide unplugged im Götterfunk)

Odyssey (unplugged 2009 bei OCBoddity)

Ein mutiger Schritt. Denn nach dem großen Erfolg, den sie vor allem mit Ihrem Debut „La Marea“ feierte, war so ein Wandel nicht unbedingt zu erwarten. Allerdings ist vordergründig auch vieles beim Alten geblieben: Noch immer schwebt Topferovas unglaublich ausdrucksstarke Stimme mit großer Gelassenheit über einen sehr kammermusikalischen Kontext, der mit ganz wenigen Mitteln ungeheuer viel Atmosphäre und Spannung zu erzeugen weiß. Doch bei genauerem Hinhören wird deutlich, dass „The Other Shore“ einfach anders gemacht ist als Ihre Vorgängeralben. Spielte Topferova bisher noch auf ihrer kleinen südafrikanischen Gitarre (der Cuatro), ist sie hier fast ausschließlich auf der konventionellen Gitarre zu hören. Und auch musikalisch schafft es Topferova die bisher ausdrücklich südamerikanische Konnotation in einen musikalischen Kontext zu transformieren, der wesentlich neutraler und offener gehalten ist, dabei aber nichts an Spannung einbüßt.

Natürlich wird dieser Wandel nicht allen in der New Yorker Latinszene, deren Teil sie seit über 20 Jahren ist, gefallen und auch einige Fans des Genres werden sich bestimmt sehnsüchtig die 'alte', in spanisch singende Topferova wieder zurückwünschen. Und tatsächlich hat Topferova durch diesen Wandel etwas den Charme des Andersartigen und Fremden verloren. Jedoch besticht dieses Album nicht zuletzt aufgrund Topferovas exzellentem Songwriting, den wunderbar luftigen Arrangements und dem kindlich verspielten Ansatz, der auch immer wieder wunderschöne Instrumentalduette zulässt, die gelegentlich mit dem entspannten Grundcharakter des Albums brechen. So wie es beispielsweise bei dem recht heterogenen Stück „Sureal Dream“passiert, dessen recht gefällige Grundstimmung im letzten Drittel eine Art von Dekonstruktion durch den Einsatz von E-Gitarre und BreakBeat-Schlagzeug erfährt. Vielleicht ist Topferovas Wandel als eine Art von Befreiung zu verstehen, bei dem sie sich von (lateinamerikanischen) musikalischen Klischees befreien möchte. Es wird sich zeigen, an welche musikalischen Küsten es Marta Topferova noch verschlagen wird. Hoffentlich können dabei alle folgen.

Das Album ist am 16. März 2012 bei World Village erschienen.

Zwischen diesem Spannungsfeld bewegen sich alle zehn Songs eines Albums, das auch aufgrund seiner Schlichtheit und Gleichförmigkeit fast unmerklich dahinfließt, aber sich wie eine Schmusedecke ganz unterschwellig einschmeichelt. Die gesamte Kurzweiligkeit des Albums tritt erst zu Tage, wenn man der verstrichenen Zeit gewahr wird. „Home Again“ ist ein Album, das ohne große Höhepunkte auskommt, aber zu jedem Zeitpunkt Spannung zu erzeugen weiß. Sehr gefühlvoll arrangiert folgt die Musik immer Kiwanukas ungemein einschmeichelndem Gesang, der nie Gefahr läuft ins Schnulzige oder Weinerliche abzudriften. In diesem recht klassischen Genre hat sich Kiwanuka wohl viel von den großen Musikern der Sechziger und Siebziger Jahre wie Marvin Gaye, Bill Withers oder Terry Callier abgeschaut, die schon damals einen vergleichbaren Sound erzeugten. Doch der gebürtige Londoner mit ugandischen Vorfahren schafft es diese zeitlose Musik einfach zu spielen, ohne dabei wie eine Kopie zu wirken oder in irgendwelchen Posen zu versinken. Im Gegenteil: „Home Again“ kommt in jeder Sekunde ungemein authentisch daher und erfreulich ist in diesem Zusammenhang auch der Sound des Albums, der zum Glück nie versucht so etwas wie eine 'Retro-Stimmung' aufkommen zu lassen.

Mit dieser kammermusikalischen Schlichtheit und der Reduktion auf das Wesentliche scheint Kiwanuka voll im Trend zu liegen. Nicht umsonst wurde er beispielsweise von Adele ins Vorprogramm genommen und gilt für einige Kritiker bereits jetzt schon als der Newcomer dieses noch recht jungen Jahres. Selbst gerade einmal 25 Jahre wird von Kiwanuka sicherlich auch stilistisch noch einiges zu erwarten sein, sollte er der Mehrfachverwertungsstrategie der Musikindustrie widerstehen können. Doch scheint dieser Mann aus London eine Person zu sein, die vor Allem sich selbst immer treu bleiben will. Das postuliert er nicht zuletzt auch durch dieses extreme Ruhe ausstrahlende und wunderbar dahinfließende Album.

„Home Again“ ist am 9. März 2012 bei Polydor erschienen.

"Sign O' The Times" von Prince ist am 30.März 1987 bei Warner Bros. erschienen.

Playlist (des Albums)
Sign O‘ The Times
Play In The Sunshine
Housequake
The Ballad Of Dorothy Parker
It
Starfish & Coffee
Slow Love
Forever In My Life
U Got The Look
If I Was Your Girlfriend
Strange Relationship
I Could Never Take The Place Of Your Man
The Cross
Adore

Freunde der sogenannten 'Weltmusik' denken bei 'afro-peruanisch' natürlich gleich an die vielleicht berühmteste Sängerin Perus: Susana Baca. Während Baca einen eher traditionellen akustischen Ansatz wählt, versuchen Novalima auf „Karimba“ den Staub von dieser Musik zu wischen und somit wieder jüngere Generationen für einen Stil zu begeistern, der auch die gesamte äußerst unrühmliche Geschichte des Sklavenhandels in sich birgt. Instrumente wie das Cajón sind in dieser Zeit entstanden, in der die afrikanischen Sklaven ihren Trommeln beraubt wurden. Und noch heute leidet die afrikanisch stämmige Minderheit in Peru unter offensichtlichen Benachteiligungen.

Die vier Kreativköpfe der Gruppe Novalima stammen jedoch eher aus der recht bürgerlichen Mittelschicht Perus und sind mit ihrer DJ-Vergangenheit wohl mehr Kinder des Clubsounds, als Vertreter der traditionellen afro-peruanischen Musik. Vom Leben in alle vier Himmelsrichtungen verstreut, arbeiteten die vier zunächst bezeichnenderweise mehr Online mit 'Soundfiles', als direkt im Studio, am Instrument oder Live auf der Bühne. Schnell fällt auf, dass es sich bei „Karimba“ nicht um eine Momentaufnahme einer gewachsenen Band handelt, sondern um eine professionelle Produktion bei der so lange die Maus am PC über das Pad geführt wurde, bis sich das gewünschte Ergebnis eingestellt hat. Ins universelle Dancefloorgewand gehüllt und somit kompatibel gemacht, steht der globalen Verbreitung nun nichts mehr im Weg und „Karimba“ brachte Novalima schon jetzt auf die ganz großen Bühnen dieser Welt. Und wenn man der Presse glauben schenken darf , sind Novalima Live noch um einiges besser als auf diesem sehr gelungenen, völlig durchhörbaren Album ohne wirkliche Ausfälle.

Das Album ist am 31. Januar 2012 bei Eighteenth Street Lounge erschienen.

Spätestens 2005 als der bereits legendäre Soundtrack zu Fatih Atkins Film „Crossing the Bridge“ veröffentlicht wurde, machte sich Baba Zula auch außerhalb der türkischen Grenzen einen Namen. Im Oktober 2010 gastierte die Formation erstmals im JazzIt und die Besucher dieses Konzerts waren Zeuge einer Liveperformance die Musik, Kleidung und Tanz miteinander verbunden hat. Nun ist Baba Zula erneut im JazzIt zu Gast und wird sicherlich einiges von ihrem aktuellen Studioalbum „Gecekondu“ erklingen lassen.

Gecekondu bedeutet so viel wie „'n der Nacht gemacht' und bezieht sich auf die Behausungen der Glücksritter, die aus der Not in die Metropole Istanbul flüchten und sich eben 'über Nacht' illegal eine Unterkunft zusammenbauen, von denen die Meisten lediglich aus Lehm und Steinen bestehen. 

Vielleicht ist auch Baba Zulas „Gecekondu“ über Nacht entstanden. Jedenfalls klingt das Album wie die Reise durch eine lange Nacht des urbanen Istanbul. Mit ihrem elektroakustischen Sound und der Verbindung von traditionellen Elementen mit modernen westlichen Stilen kreieren Baba Zula betörend, hypnotische Klangwolken. Und dass gerade die elektrische Saz extrem rockig klingen kann, wird hier einmal mehr unter Beweis gestellt. Vor Allem aber scheint es sich hier um eine Art von zeitgenössischer Trance-Musik zu handeln, die einen regelrechten Sog ausüben kann und nach 'Höherem' zu trachten scheint. Denn der Ansatz einen anderen Bewusstseinszustand herzustellen ist in fast jedem Stück dieses Albums enthalten. Das klappt natürlich besonders gut bei den längeren Tracks, wie dem beschwörenden „Hayde Hayde“ oder dem treibenden „Temptation“. Sicher ist jedenfalls dass es wohl ein in mehreren Hinsichten beeindruckendes Konzert werden wird. Wieder einmal zeigt sich in diesem hochinteressanten Programm der Mut, das feine Gespür, sowie Andreas Neumayers exzellente Kenntnisse der internationalen Musikszene, die Salzburg mit unglaublicher Konstanz immer wieder Konzerte der Extraklasse beschert. Auch das ist ein Grund zum feiern. Wer an diesem Abend verhindert sein sollte, wird sich wohl mit dieser wunderbaren CD begnügen müssen.

Personel:

Murat Ertel: zaz, elec, voc
Levent Akman perc, elec
Cosar Kamçi: perc, darbuka 
Sarah Bahar: voc, dance 

Das Album ist am 24. Juni 2011 bei Essay (Indigo) erschienen.

Hörenswert. Das RF-Album der Woche ist zu hören am Freitag, 03.02.12 ab 14:08 Uhr, Wiederholung am Donnerstag, 09.02.12 ab 00:00 Uhr 

Hörenswert. Das RF-Album der Woche ist zu hören am Freitag, 13.01.12 ab 14:08 Uhr, Wiederholung am Donnerstag, 19.01.12 ab 00:00 Uhr 

Als Shanka und Greg Jacks 2010 The Dukes aus der Taufe hoben, war der Plan alles zusammen zu tragen, was dem Leben unter dem Zeichen der Musik gebührt. Aus dieser Idee entstand aber weitaus mehr… Später stießen Gaspard Murphy und Stephen Galtera dazu, die die Band um Gitarre, Vocals und Bass erweiterten und bald darauf stand ihre erste EP „Resilient Lover“ in den Regalen der Plattenläden. Ja, so schnell kanns gehen. 

Das erste Album „Victory“ – übrigens unter anderen produziert vom Schweden Magnus Lindberg, der schon fast als Garant für Erfolg gilt - macht seinem Namen alle Ehre; es ist die Musik einer guten Zeit, eine Musik die an große Pläne denken lässt und Mut für das Unmögliche macht. Und außerdem ist es eine fast schon unerhört gute Mischung aus Pop, Punk, Rock und Liedermacherei. Wieder mal dominieren Schlagzeug und Gitarre, das eine für den Beat des Herzens, das andere für ein bisschen Verruchtheit. Das hat nicht nur mit den musikalischen Einflüssen von Nirvana, Nine Inch Nails, Foo Fighters oder Them Crooked Voltures zu tun. Sänger Shankas Stimme allein macht fast schon Lust auf die nächste Zigarette und einen guten Whiskey in dieser einen dunklen Bar… 

Wie wenig es doch braucht, um aus handelsüblichem Rock einen frischen Sound zu machen, der mitreißt und die Füße stampfen lässt - und das schon mit dem Debütalbum. The Dukes selbst definieren ihre Musik als „sweet songs with unsweet sounds“. Und wo sie Recht haben, haben sie Recht. 

„Victory“ von The Dukes ist am 2. Dezember 2011 bei MVS/New Music Distribution erschienen.

Youssef Hbeisch, ebenfalls Palästinenser kennt sich natürlich aus in dem klassischen Repertoire dieses Genres was nicht zuletzt bei seinem wunderbaren Rahmentrommelspiel deutlich zum Vorschein tritt. Dabei ist sein Betätigungsfeld bei dieser Einspielung fest abgesteckt: Hier begleitet er selbstverständlich die drei virtuosen Brüder. Und das natürlich so dienlich wie Möglich. Das hat auch seinen guten Grund, da das (Zusammen)Spiel von Samir, Wissam und Adnan Joubran ohne Übertreibung als sensationell bezeichnet werden kann: Völlig gelassen und mit dem größten Selbstverständnis spielen die drei Brüder berauschende solistische, Mal energetische Mal elegische Sequenzen, um gleich darauf in ein atemberaubendes Unisono-Spiel überzugehen, das in dieser Art sicher einzigartig ist.

Auf dem Album finden sich sowohl sehr dichte Kompositionen (wie gleich der Opener „Nawwâr“, der einen fantastischen Tempowechsel in sich birgt), als auch sehr elegisch anmutende Klangreisen wie die 15 minütige Titelnummer „AsFâr“, die auch gleichzeitig eine der schönsten ist. Denn gerade dann, wenn sich das Trio 'Zeit' nimmt, entstehen wunderschöne sphärische Klangwolken. 

Trotz, oder wahrscheinlich gerade wegen ihrer technischen Perfektion versprüht das Album gelegentlich einen sehr kühlen, wenn nicht gar sterile Atmosphäre. Zudem sind die Kompositionen vom Charakter eher geschlossen gehalten und damit der Raum für Improvisationen sehr spärlich gesät. Spontaneität ist hier neben der ganzen Akkuratesse auch eher fehl am Platze, was auch dadurch deutlich wird, das hier die Perkussion lediglich die begleitende Rolle übernimmt.

Nichts desto trotz handelt es sich bei dem bereits fünften Studioalbum des Trios um die ganz hohe und die ganz edle Kunst des Oudspiels, die es sich lohnt zu hören.

Der Titel des Albums kann im Englischen ('as far'), als auch im Arabischen sinnstiftend sein, in dem „Asfâr“ so viel wie 'Reise' bedeutet. 

Das Album ist am 15. April 2011 bei World Village erschienen.